EDVARD MUNCH. EL GRITO

El grito. 1893. Galería nacional de Oslo. Oslo. Noruega. Fuente: wikipedia

• Observamos el cuadro detenidamente (imagen proyectada) y describimos lo que vemos sin interpretarlo: personajes, espacio, colores…
• Primeras sensaciones: qué sugiere, qué transmite, qué provoca, qué adjetivos utilizaríamos para explicarlo…
• Nos paramos en la figura central y comentamos su expresión, su angustia, su androginia, su indefinición…¿Qué crees que quería reflejar el autor? (la angustia existencial del hombre moderno, como se ha venido diciendo)
• Para completar la interpretación del cuadro recogemos estas líneas que escribe el propio Munch en su diario: “Paseaba por un sendero con dos amigos – el sol se puso – de repente el cielo se tiñó de rojo sangre, me detuve y me apoyé en una valla muerto de cansancio – sangre y lenguas de fuego acechaban sobre el azul oscuro del fiordo y de la ciudad – mis amigos continuaron y yo me quedé quieto, temblando de ansiedad, sentí un grito infinito que atravesaba la naturaleza.”
• Analizamos aspectos plásticos: los colores intensos (¿qué consigue crear con el uso de los colores?), las líneas rectas frente a las redondeadas (barandilla, paseo, viandantes/el personaje central, el cielo, el fondo), la distorsión…
• Munch está considerado como uno de los precursores del expresionismo y esta obra es un claro ejemplo de ello. Características del expresionismo pictórico:
  

  La pintura expresionista buscaba transmitir el mundo interior del artista, sus pasiones y angustia existencial para despertar las emociones del espectador sin preocuparse de la realidad exterior. Se caracteriza por la violencia y arbitrariedad de los colores empleados, estridentes y puros, aplicados en largas y gruesas pinceladas. Las formas dejan de ser bellas y se distorsionan en beneficio de la expresión. Las composiciones son dramáticas y agresivas. (educared)

  Constatamos estas características en el cuadro.

• ¿En qué sentido podemos relacionar esta obra con El extranjero de Camus y en general, con el existencialismo. ¿Te parece una obra existencialista?

EDWARD HOPPER

• Observamos el cuadro y describimos la escena: personajes, espacio representado y espacio geográfico (¿en qué país situarías esta escena?), tiempo (¿en qué época situarías esta escena?, ¿en qué momento del día se encuentra?) estética.
• ¿Qué crees que transmite esta escena?, ¿qué puede querer representar el autor? (nos fijamos en el título)
• Analizamos el estilo: trazos, colores, luz, definición, perspectiva…¿en qué movimiento pictórico lo encuadrarías?
• Relacionamos esta obra con la literatura de Paul Auster (reflejo de la complejidad de la vida estadounidense, realismo, soledad de la gran ciudad…)
• Información del autor:
  

  Pintor estadounidense cuya obra marcó un hito en la historia del realismo americano pues logró plasmar en su arte esa sensibilidad particular del siglo XX en Estados Unidos, que se caracteriza por el aislamiento, la soledad y la melancolía. […]
  Permaneció al margen de las experimentaciones cubistas de franceses y españoles, pero sí le influyeron Diego Velázquez, Francisco de Goya, Honoré Daumier y Édouard Manet, cuya obra había conocido a través de sus profesores de Nueva York. Las pinturas de su primera época, como Le pavillon de flore (1909, Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York), siguen una línea realista y muestran algunas de las características básicas que mantendría durante toda su carrera artística, composición basada en formas geométricas grandes y sencillas, áreas de color planas y utilización de elementos arquitectónicos para introducir en sus escenas fuertes líneas verticales, horizontales y diagonales. Aunque exhibió una obra en el Armory Show de Nueva York en 1913, ésta despertó poco interés y durante la década siguiente se vio obligado a trabajar principalmente como ilustrador comercial. En 1925 pintó La casa cercana a la estación (Museo de Arte Moderno, MOMA, Nueva York), obra clave del arte estadounidense que marca la madurez de su estilo. El modo sólido y directo de marcar formas y ángulos sobre el lienzo y la utilización resuelta de luces y sombras se mantienen dentro de la línea de su obra anterior, pero el espíritu que marcaba el tema esencial de la obra era nuevo, expresaba una atmósfera de aislamiento total y de soledad casi sobrecogedora. En 1931 pintó Habitación de hotel (Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid, España) donde se entrecruzan varios de los motivos recurrentes en Hooper, el del hotel, el de la figura aislada en un interior y el del viajero. Continuó trabajando dentro de ese estilo durante toda su vida, refinándolo y perfeccionándolo, sin abandonar jamás sus principios básicos. La mayoría de las obras tienen como escenario el estado de Nueva York o Nueva Inglaterra, tanto los paisajes naturales como los urbanos son sencillos e íntimos, calles desiertas, teatros medio vacíos, estaciones de gasolina, vías de ferrocarril, hoteles. (www.epdlp.com)